つかちゃん

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トップクリエイターの対談をきく

今日は放課後に藝大で素晴らしい対談企画があった。作曲家・千住明さんとクリエイティブ・ディレクター箭内道彦さんの対談イベント!箭内氏の「早合点と瞬間沸騰の時代」という表現が物凄くエキサイティングだった笑こういう言い回し、コピーライターの糸井重里さんもそうだけど、ただ知識を詰め込んだインテリジェンスにはない、発想の柔軟さを感じる。簡単な言葉で分かりやすくアートに関しての本音を語ってくれていた。専門用語や哲学用語を並べ文化人気取り、べらべらゴタクをならべてるクセに全く本質を付いていないどっかの専門家とは大違いですね!(^^;今回の対談から学んだことは、本来わかりにくいはずの芸術というものを、わかってもらえるアート作品として創作し、いかにして発信するのか?ということ。芸術って、簡単に理解されないものだから芸術なんだ!と呼ばれる定義を暗黙のうちに秘めてますよね。「あれ?なんか?よくわからないけどすごそうだぞ?」そのセンサーが働くと、その作品はその人にとって芸術作品だし、 「こんなの凡庸で、ありふれた作品だ」なんて感じる人にとっては全くなんでもないものになる。それとは別に、作品そのものの良し悪しと関係ない領域が多くの観客には重要だ、という現実がありますよね。たとえば、天涯孤独のアーティスト、や不幸な生い立ちを乗り越えた表現者…などのドラマ性、付加価値。要は作品の伝え方なんですよね。作品がどうのこうのではなく、演出の技法。これも芸術=アートの範疇だぞと。「芸術」と「アート」言語としてはイコールなんだけど、「アート」というほうがより身近だね、という論題も興味深く、いろいろと感じるところがあった。日本独自の和製英語と日本語との語感のハナシなんだけど、例えばポップアートといえば、単純にいえばアメリカ現代美術のウォーホルの作品群など、日常に溶け込んだアートのことですよね。日本文化で当てはめるなら、秋葉原のアニメ漫画文化や、リヴァイヴァル(リアレンジというか)された浮世絵なんかがサブカルチャー化していて特にヴィレバンなんかに置いてあるアートブックと並列されてるもの…なんかを連想したりもするのだけれど(笑)それを大衆芸術と言ってしまうと、これまた「お後がよろしいようで!」な雰囲気になってしまう(笑)最近、日本の大衆芸術の最高峰である文楽を初体験した私からしたら、戸惑いを隠せない言葉の距離感を感じるのだが笑?表現形態の表し方ひとつで、受け取る側の認識度も変わるのかなと。つまり、自分が表現しているものの伝え方次第で受け取る側は10とも100とも取れる幅があるんだなって思う。どんなジャンルに於いてもオーディエンスは、わからないものを受け止める時にどうしてもその作品を見る・聴く為の指針が欲しいから、その作品における補足情報の重要性って相当な浸透力を持つのかなと…。だから、私はなるべく美術館やアートイベントの時でも、前情報や作家のステイトメントは見ないようにしている。そんなもの、あとから調べればいくらでも見れるしね。瞬間瞬間の自分の受け取り方を大切にしたいなって思います。自分の感じたものと、作品のプロフィールを比較するのがまた面白いという楽しみ方なのですねー。すべての情報を得たあとで、また更に気になったのなら再度同じ展覧会やコンサートに行けばいい。インプットの二度付けは禁止されてまへんで!by新世界あーだこーだ言うとりますが、とにかく!あふれる情報に淘汰されず、自分の思考でもっと物事に向き合わなければいけないな、っていつでも思います。早合点せず、じわじわと自分の沸点を見極める、というところでしょうか。自分の反発力を信じ、人に惑わされず、突き詰める!なにはともあれ、今日はこの学校には、藝大アカデミズムに汚染されまくった教官ばかりでないことを再確認した!(笑)30歳目前で安定した生活、結婚・出産などいろいろ諦めて芸大に入ってきて、周りからしたらイカれポンチMAXの津嘉山ですが、今日の対談をこの学校の学生として聞けて良かったわーって本気で思いました。人生一回だ。博打しなくてどうする。作曲科学生推奨のアカデミズムガッチガチの講義に行く途中、音楽学部の前でこの対談のビラを配っていたカノジョに礼を言いたい!感謝!

"自然に聴く"ということ

先入観なしに、音楽・音を聴くことの難しさ 音楽をアカデミック(=学問的に)に勉強することで、作品の中で綴られた音それぞれの有機性、つまり一つの細胞(モチーフ)が枝分かれし関連・発展していくさまを認識することができるようになる。 けれど、その学習の先には大きな壁がある。 蓄積された形式(=客観的美意識)の強固なフィルターをいかに取り払い、自分の見たいもの又は聴きたいもの”以外”のものに強い意識を向けることができるかどうか。これがとてもとても難しい。 例えば、小さな子供や精神病患者の描く絵、作り出す音楽、詞や文学など、芸術の学術的な集団から離れたところで表現する、アウトサイダーアートの持つ激しい芸術性は、理性や慣習を超えて人間本来の表現欲求をまざまざと表出している。そこから得られるもののエネルギーたるや、想像を超えるものがある。アカデミズムに汚染(?笑)されながらも、彼・彼女らのように、いかに意識の外で内的知覚(音楽なら聴覚)を発動させられるかどうかが、私の試練だと思う。 "こうあるべき"からの脱却。 先日、音楽療法の授業で、あるビデオを観た。発達障害を持つ、7歳くらいの男児に対して音楽を介してコミュニケーションするという場面。セラピストとクライエントとの即興演奏でのセッションである。Hello,とか、男の子の名前であるSimon,という言葉に、即興的にいろんなヴァリエーションで音をつけた単純なものだった。けれど、これまで感じたことのない、超・音楽的な印象を受けた。(アカデミズムを超えたNatureなもの。それとしか言いようが無い。)理性の範疇をこえた生々しい一対一の発想に、特別な感情を刺激されたのである。美術に於いても、最近同じ体験をした。ちょうどいま、東京ステーションギャラリーでやっている、アドルフ・ヴェルフリの作品群は固定的な美意識やアカデミズムとは無縁の、人間本来の表現を感じ取ることができる。彼は、精神的疾患から罪を犯し、人生の後半を精神病棟で過ごした。そんなヴェルフリの作品群を目の当たりにしたとき、一番強く感じたことは、”情報量の多さ”だった。展示されている作品のすべてに於いて、キャンバスの空間にたくさんの情報が敷き詰められているのだ。なんというか…、空間を徹底的に埋めなければならない!という切迫した感じ。会話で言えば、沈黙が怖くてひたすら話し続ける…といったような。一言でいえば排泄物に近いものを感じる。意味はないけど、あるだけ全部発していく、放出していく、ともいうべきか…まさに垂れ流す…、というような、とにかくそんな印象。 でもそれが生来人間に備わっている表現欲求の至極自然な姿、なのではないかと。 興味深いことに、即興演奏においても、同じ現象が起きていることに気づいた。アカデミックに勉強していないプレイヤーのアドリブは音を網羅的に演奏し続ける傾向にある。ただただ連ねるばかり。そこにはフレーズ感や、音楽修辞学の概念が全く無い。”無”が怖いのだ。とにかく敷き詰められた音の絨毯。でも、時折思いもつかないフレーズを奏でたりすることがある。理性を超えた発想。それが究極のアウトプットであり、究極の芸術産物だと思う。 プロのジャズプレイヤーは、垂直的な和音感覚と水平的な和声進行のもと、即興ではあるが極めて論理的な発想でアドリブをしている。(とはいえ、直感的なこころのプロセスも伴うのだが)そんな、いちジャズプレイヤーである私からみたその映像や絵画作品は、とてもショッキングなものでありながらも、美意識を根源から揺さぶるようなものだった。 表現されるもの・ことには表現者と観客のそれぞれ主観的・客観的な空間(ギャップ)があり、その間合いを芸術家は表現の対象にしていると思う。時代によっては、その差異が狭ければ狭いほど金になり、広ければ広いほど物議を醸し味わい深いものになるんでしょか(笑)

音楽の存在

先日土曜日、以前より音楽活動の面で大変お世話になっている池上クリニック医院長の精神科医池上秀明先生が理事長を務めておられる特定非営利活動法人Kawasaki 精神保健福祉事業団(略してK事業団)の創設20周年記念式典にて演奏をさせていただきました。式典冒頭の池上理事長挨拶では、近年の大量殺戮事件の加害者に見られる責任能力の是非と、それを伝えるマスメディアとの関係について語っておられ、大変ナイーブな問題でありながらも先生ご自身がお考えになられたことを団体創設の理念と絡めつつ、印象深いスピーチをされていらっしゃいました。本当に伝えなければいけないことが放送倫理や人権の問題によって淘汰され、真実が歪曲されている実際がある。個人的または社会的思惑が交錯し、人々が学習しなければいけない倫理感が無意味に隠蔽されてしまう。悲劇はなぜ繰り返されるのでしょうか。人間のこころはコントロールできないものなんでしょうか。とはいえ、人間の精神がすべて解明され尽くしててしまったんじゃあ、芸術分野はなんとなく肩身が狭まくなるんじゃないかと思うのも正直なところ。なぜなら曖昧な感情やあらゆる意識を表現するのが芸術だから。芸術は、正であろうが負であろうがなんでも原材料にしてしまう。今日に至っては個人の情緒をより細分化して表現するようになった。無や沈黙を表現するものもいれば、爆発的感情から性的倒錯までをも具材にしてしまう。容易く触覚できないものほど、新しい芸術表現として取り上げられるものになる傾向にある。人間の持つ様々な感情すべてが芸術の原動力になるし、その逆もある。この曖昧模糊とした色合いを芸術は素材にしている。AI(人工知能)が発達し、人間の存在理由が危ぶまれる昨今。にもかかわらず、精神・人の心が、やはり未だ解明され尽くされていない実態のないものとして存在していること、このことが芸術分野の人間社会への介入を未だ確保してくれているのではないかと勝手に思っている。。コンピューター(マイクロプロセッサ)の脳細胞としてのトランジスタの集積度と人間の脳細胞の数は計算上、2018年にコンピューターが後者を上回る、とソフトバンクの孫氏が言っていた。子供のころ描いていた近未来がこんなにも早く来るなんて思わなかった。自動作曲プログラムもいずれものすごい勢いで人間の手によるものと遜色ないものになるでしょう。生身の人間による音楽に未来はあるのでしょうか。古来ギリシャの教育理念である自由七科(リベラルアーツ)のうち幾何学、天文学と肩を並べる科目である音楽が、数千年の時を経て未だ存在しているこのファンタジーには、人間社会に於いていかに衣食住以外の精神的な枯渇欲求が隠されているのか発見できるのではないでしょうか。何のために芸術が存在しているのか。存在し続けられているのか。往々にして真実は、隠蔽されたり塗り替えられたりするこの世の中。芸術は、音楽でも美術でも古来より常にその時代のプロフィールを伝える鏡のようなもので、歴史を代弁してくれるものが芸術作品として今日存在していることが多いわけであるから、芸術=真実という見方もできる。生々しい人間の生きてきた歴史を証明するもの。だから芸術に生きる人々は、芸術を全うすると覚悟を決めた以上、自分の芸術行為が社会にどのように貢献できるかをかんがえるべきだと思うし、それをかんがえない芸術家は単なる日曜作家として終わってしまう。"いかに社会貢献しているか"を審議していること自体、社会に対する自己承認欲求の表れであることには違いないのは事実だからそのアプローチの度合いは肝心だけど、センス良く迎合と反発を思考していくことで、芸術は人々の心に刺激を与え続けるのではないでしょうか。扇動をもすれば、反感も買う。そうそう、芸術は関心を持ってくれさえすれば非難されようがなんだろうがとりあえず伝導としては大成功だから、どんな形であろうが伝わればいい。残ればいいと思う。技術を磨くだけではなく、芸術が存在する意味を実際社会に照らし合わせ、価値あるものにしていく。これが芸術を生業にしようと決意した者が、成すべき社会貢献ではないでしょうか。